线条是人的主观创造。它不存在于客观物象之上，它只是人们用来表现客观物象的一种视觉语言。然而就是这种视觉语言却被用作了最基本、最单纯、最简单、最朴素的造型语言，被各种绘画所广泛使用。在中国画里线条有着特殊的地位。张彦远在其 《历代名画记》中称：

“无线者非画也”

可见在中国画中，线条不仅起着塑造形体界定形象的作用，它还无时无刻不在表现作者的个人情绪，个性品德，修养和感情。而这也充分说明了中国画是线条的艺术。线是中国画的灵魂。

中国的传统绘画强调的是高深旷达、超凡脱俗的艺术意境，追求人格精神的象征与寓托，这是与中国传统哲学所重视的人格精神自由所吻合的。中国传统哲学中主张“天人合一”，因此在中国艺术中也追求和讲究“物我同一”的高度统一，而中国画线条是以再现物象本质为载体，表现人的主观精神——“借物传情”。因而两者有高度的相似性和统一性。

中国画的线条演变

中国画的线条发展历史是很悠久的。自新石器时期就已经开始了，它最早是在新石器时期的彩陶文明中出现，1978年在河南省汝州市阎村所出土的《鹳鱼石斧图》就是彩陶时期最为著名的作品，也就是在此时，已经开始孕育着中国画传统的艺术表现手法——线描和没骨。

随着历史的进步。到战国时期，人们已经开始选择在轻薄的帛上作画，也就是在这一时期，随着考古发现的我国现存最早与线条相关的画作《人物龙凤图》和《人物御龙图》的出现，标志着中国的画作已经进入了线条造型的时期。

魏晋时期，中国绘画开始系统地理论化，出现了大量的绘画理论，东晋著名的大画家顾恺之的线条风格被称为“春蚕吐丝”， 他的这一绘画风格把绘画技术推向了一个新的高度，其作品《女史箴图》和《洛神賦图》代表魏晋时期人物绘画的发展动态。

南北朝时期，被谢赫的《古画品录》列为第一品的画家的陆探微。他的线条相比较顾恺之的比“春蚕吐丝”更坚硬更苍劲；也在这一时期，出现了大量的人物画画家，其中以张僧繇的最大贡献，他在前人的“密体”之后，创造了“疏体”。此外张僧繇的佛像人物用工最深，形成自己的独特风格，人称“张家样”，曹仲达手中的人物多为用笔稠密的细线，而衣服紧窄，后人称之为“曹衣出水”，与吴道子的“吴带当风”并称。

到了隋唐时期，线条的功能不断拓展，成为传情达意的重要手段，这一时期的画家善于展现出长裙飘舞，款款而行的动感。最为著名的就是画圣吴道子。吴道子的线条流畅委婉、刚韧圆转，能将人物栩栩如生地展现出来，有“吴带当风"之美誉。

他的传世之作《天王送子图》用圆转变化的“莼菜条"创造出“天衣飞扬、满壁风动”的特色，人物形象潇洒自若、雍容华贵。

此画的出现又昭示着线描风格的一个新开始，这幅画反映了吴道子的绘画基本风格，打破了顾恺之春蚕吐丝”的风格。“春蚕吐丝”的游丝描的线条圆润，如铁线一般毫无变化，而吴道子开创的兰叶描在运笔上时提时顿，产生如同兰叶般的线条，有飘动之势，展现出自己内在的精神力量。

宋代时，著名画家李公麟曾将白描发展成为一个独立的绘画领域。线条通过笔墨表现他的韵味，而笔墨又能够确定线的特征，这个特点就是国画的精髓所在。

李公麟的白描线条抑扬顿挫、刚柔并济、变化多端，有着很强的节奏感与韵律感，表现出“不施丹青而光彩照人”的艺术效果，使线条成为独立的绘画形式。其代表作《维摩诘像》的线条流畅，轻重缓急，起伏有致，犹如行云流水，自然流畅。

宋代之后，中国画线条从原有技法程式中解脱出来，逐步走向成熟，并形成18种基本勾线方法,即“十八描”。比如元代赵孟的《疏林秀石图》以书法入画，山石如草书般，恣意纵横，飞动流畅，枯枝如隶书般，浑厚沉健，凝重苍劲。

总之，略观千年画史不难看出，主客统一的思维模式一直伴随着中国画和中国画线条。即便是畅神达意的大写意画也是对客观物象进行超然把握的简括手法，是主客观高度统一的写照，决不是不要形体的主观放纵。明代王履曾说“意在形，舍形何以求意”。再一次说明了意和形的关系。

作为表现人的主观精神的艺术视觉语言——线条，在形式上还有它的相对独立性。但其所表现出来的优美流动形式却给我们以深深的艺术享受。

中国画的线条美

传统中国画的线条发自古人，是古人诉说情怀、表现自然、寄托思想的视觉语言，也是中国传统哲学思维在艺术上的显现。

中国画线条无论在状物达意的功能上，还是在具有独立美感和节奏韵律的形式上，都含着强烈的艺术感染力。而这也是线条美的核心。通过对这核心的分析，我们可以看出其具有艺术感染力的美主要表现在：

1、形式美

中国画线条的形式美，体现在诸多方面。例如著名画家齐白石先生所画的有关《虾》的作品，往往是用淡墨表现透明的虾身，用浓墨点睛，使得虾的眼睛极其的有神，然后用线条勾勒出纤细灵活的虾足。

因此使得他笔下的虾充沛着鲜活的生命力，同时又使人感受到苍劲有力的用笔，使得画上的虾栩栩如生，从而体现出在中国画的创作中线条的形式美。在这里，线条的形式美体现了线条的造型功能。

在人物画中，线条它不只是勾画人物的轮廓，而是发挥其丰富的表现技巧，运用长短、粗细、浓淡、干湿、刚柔、疾徐、虚实等不同变化的线，去表现人物的表情、结构、衣服的质感和运动感，从而达到形神兼备的造型目的。

在山水画中，物象的造型，往往都是先用线条来勾出轮廓，再用不同的皴、描法以及擦染之后，对物象内部结构与光分布的处理，不是借助透视法、明暗法，而是以本民族独特的表现形式描绘出来。

五代董源的代表作品《潇湘图》，山的轮廓用长线勾画，山的走势、空间、位置及各部之间，用长披麻皴线条加点来表现，众多披麻皴与点的有序排列，表现出了山的结构、凹凸和受光与背光的效果，用轻重不同的点线在山间留出烟云雾霭，另外，画中远景、近景都是利用短线和点，有重有轻的把握，描绘了山的层次.虚实感觉，使山的雄姿秀态尽收眼底。

画家利用皴线有疏有密的排列与留白，描绘山体的明暗部，不仅表现了物象的光分布，而且表现了空气的湿度。

在工笔花鸟画中，飞禽走兽、植物花卉同样需要线来塑造形象，发挥它造型的作用。

唐韩滉《五牛图》中五头牛均用粗放的含有书法韵味的笔墨画出，风格古朴，造型准确，形态生动，用曲折变化的线条恰如其分地表现出牛的筋骨和皮毛的质感，这也是最早画在纸上的绘画作品。还有五代黄荃的《写生珍禽图》中，各种鸟、虫的刻画，线条工细，造型准确、精到。

总之，历史上还有很多花鸟画大家用线条的粗细、长短、顿挫等丰富的变化，塑造出形象生动的造型，给我们留下了学习借鉴的艺术精品。

2、写意美

除了造型上的形式美之外，中国画线条还具有写意美。

中国传统的绘画强调“情景交融”、“虚实相生”、“以形传神”等为审美要求，呈现出浓重的写意性。线条作为中国画的基本表现手段，不仅有非凡的表现力，更加具有独特的意境美。

首先线条可以表现出很强的节奏和韵律，无论是单个线条还是整幅画中的气韵，都能很好的表现出作品的思想；其次，线条是国画生命的符号，具有精神价值和美学意味的绘画语言。不同形式的线条表现的含义也是不相同，给读者的意境也不一样。

在中国画中线条流露和体现的是作者创作时的意境，以及想要描绘和表达的情感，线条的流动中表达了画家的情、神、气。

因此，中国绘画中的线条不仅仅是一种艺术形式，线条中蕴涵着更加微妙而又难以用概念表述画家的个性及情感意趣。

从线条的演变与发展过程中我们可以窥见中国艺术家的心路历程，中国画的线条已不仅仅是界定物与物的形态的单一定位， 而是经过画家的心智洗练过的一种精神的产物。通过线条有限的外形游离出无限，化实像为空灵，更可传达一种超越于墨象之外的不可言喻的情感。

线条总是与画家情感的活动和反应联系在一起， 成为情感体验的最佳载体，是画家情感的寄托和精神的迹化。线条的波动过程，往往是作者的情感历程。任何形态的线条都积淀着一定的主观意识，具有不同的生命性质，而线条也正体现了这种不同的生命特质。

3、情感意蕴美

在绘画作品中，内在精神是无形的，就需从画家对线条的处理上显现出的风格和个性特征上加以认识。直线在国画中能给人带来力量和速度的感觉，而曲线能给人带来律动、纤柔的感觉，粗线则会带给读者庄严、稳重的想法，细线会让读者联想到温柔、无力的情感。

明代著名画家徐渭，在其作品中其往往将点、线草书般的意趣发挥到了极致，他完全用一种狂放不羁的笔墨情趣打破题材和自然物象的束缚，将情感寄予每一根线条的书写之中；清代八大山人和石涛继续并发展了这一特点。他们线条的独立意义更加强烈，个人特殊情感得到了更突出的表现。

他们将苦难凄厉的生命贴附于残荷败叶，孤鸟丑石之中。在狂放、奇峭的线条中，流露出强烈的忧威悲愤和愤世嫉俗的心情。

总之，无论是人物画，还是山水画亦或花鸟画。绘画作品中那些引起美感的线条，既是客观物象的抽象概括，也是绘画艺术所赖以表达主观情感的有形载体。它不但使画家的充沛情感得以清晰的表达，而且产生出诗情画意以及音乐般的节奏感与韵律感。

写在最后

中国绘画的历史是用线穿起来的，中国画的线累积了中国历史文化，这些都是中国画线条独特的艺术魅力与价值。